藝術精神 | 誠品線上

The Art Spirit

內容簡介

內容簡介 ◎媲美達文西和雷諾茲，影響了近百年繪畫者的藝術啟蒙經典！◎全球發行唯一中文版！◎水彩名家簡忠威 審定推薦‧專文解說每個人心裡都住了一位藝術家，若沒有這些內心藝術家，世界將會停滯不前。──從技法到心法，寫給所有藝術學子的美學手札──◎本書集結書信與隨筆分為五部，全方位洞悉「藝術精神」──一、美，始於感動｜美無法複製，卻無所不在。美就是觀看者心中的愉悅感。二、技法，始於觀看｜先回應自己的主題與感動，忘記技法存在，自然綻放光芒。三、藝術，始於生活｜從生活中發現真理，以藝術作為盡情生活的工具。四、風格，始於找到自我｜大膽探索、勇於冒險，當一個真正的學生。你可以跟自己學到更多！午、大師，始於自我學習｜善用天賦，全心投入。欲成就大師者，以善用本身所有為先。真正理解藝術就會知道，藝術其實是每個人平常都會涉及的領域。藝術，說穿了，就跟把任何把事情做得更好有關。唯有讓藝術精神進入人們的生活，讓藝術不是生活附屬品，而是每個人生活最不可或缺之物，才得以彰顯藝術的偉大。羅伯特．亨萊，美國藝術家暨藝術教育家。深信藝術與生活密切相關，也與每個人相關。最為人所知的事蹟是，帶領「八人畫派」（The Eight）這群寫實主義畫家，開創「垃圾桶畫派」（Ashcan School）。以都市日常生活的習俗為題材，將視角移轉到各社會階層，反映了一個「真實的美國」。對於美國藝術的發展具有深刻的意義，體現了美國藝術的獨立性與創新性。這位充滿熱情、在藝術指導上天賦過人的老師，他所提倡的藝術理念，啟發了不計其數的知名畫家。他心懷偉大願景，帶領藝術學子認識法國畫壇、卻提醒學生要有藝術家的自重、努力發現自我、別害怕擁有個人觀點與風格。並集結有限資源，舉辦第一個美國獨立畫展，給年輕的獨立藝術家有機會公開展示畫作，不再受官方掌控限制。在那個年輕藝術家四處碰壁的時代，亨萊所爭取的藝術自由，可謂是美國畫壇的一大進步。而他對學生最常的要求與提醒就是：以藝術是作為盡情生活的工具。畫出你的感覺，畫出你心中所見，畫出你所認定的真實──讓創作「引起世界的騷動」！我想談論的是美與快樂欣賞生活的美好並不容易藝術的存在就是為了讓你盡情生活，活出自我本書收錄羅伯特‧亨萊的隨筆文稿、信箋片段，以及與學生的對談語錄。完整呈現亨萊對藝術的教學脈絡，主題涵蓋繪畫創作的概念與技法，一般藝術研究與藝術鑑賞。處處可見亨萊寶貴的專業建言與智慧見解。

作者介紹

作者介紹 ■作者簡介羅伯特．亨萊（Robert Henri）為美國藝術家暨藝術教育家，是一位坦率直言、大力支持現代主義繪畫的倡導者。他最為人所知的事蹟是，帶領「八人畫派」（The Eight）這群寫實主義畫家，開創「垃圾桶畫派」（Ashcan School）。亨萊投身寫實主義，並以都市日常生活的習俗為題材。他在一九一五年到一九二八年這段期間，於紐約藝術學生聯盟（Art Students League）任教。斯圖雅特‧戴維斯（Stuart Davis）、洛克威爾‧肯特（Rockwell Kent）和愛德華‧霍普（Edward Hopper）等二十世紀初期的畫家，都深受其影響。■譯者簡介陳琇玲美國密蘇里大學工管碩士，曾任大學講師、軟體中文化及影片翻譯譯者、Alcatel Telecom主任稽核師。已出版譯作百餘冊並多次獲得金書獎殊榮，現以翻譯為樂並習畫自娛。重要譯作包括：《歐巴馬勇往直前》、《小眾，其實不小》、《非典型力量》、《精準預測時代》、《物聯網革命》、《人工智慧的未來》、《形趣之境》（合譯）、《畫家之眼》、《畫出心中所見》等。

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產品目錄 推薦序 對世界充滿熱情的藝術指導者作者序 喚醒內心的藝術家輯一 美，始於感動作品是個人情感的傳聲筒／一九一五年給藝術學生聯盟課堂學生的一封信想像力是美的泉源／一九○一年於費城女子設計學院之演說稿通往美與自然法則的道路／一九一七年給藝術學生聯盟學生的一封信以藝術作為盡情生活的工具／給一位老師輯二 技法，始於觀看觀看是藝術之本／觀看技法因想法而生／一九一五年給藝術學生聯盟課堂學生的一封信簡化塊面的調色盤／一九一六年給藝術學生聯盟課堂學生的一封信背景呼應一切存在／背景的處理立體感創造第四維度／立體感色彩是營造光感的關鍵／色彩筆觸帶來原創性／筆觸速寫就是感受／速寫自我成長／摘錄自某封信輯三 藝術，始於生活察覺規律／一九一六年的一封信徹底的自我實現／藝術裡的個體性與自由藝術精神／我筆下的人物從生活發現真理／從新墨西哥州寫的信每個人心裡都住了一個藝術家／一九一八年的一封信輯四 風格，始於找到自我全方位的探究／評論函I忘記畫展和評審那些事吧／評論函II你可以跟自己學到更多／評論函III恰如其分，就對了／評論函IV研究大師之作，注意作品潛藏的原則／評論函V重要的問題是：「什麼是值得的？」／評論函VI觀看時愈簡化，表現就愈簡單明瞭／評論函VII不管怎樣，別成為「方法」的奴隸／評論函VIII努力跟自己作伴／評論函IX輯五 大師，始於自我學習藝術欣賞是很個人的事／關於獎金與獎章的一封信思想的個體性和表現的個體性都受到鼓勵／藝術學校的目的欲成就大師者，以善用本身所有為先／學習之道唯有自我教育才能產生自我表現／亨萊之評論與授課筆記解說 藝術精神，將會是人類永恆的生活態度

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試閱文字

內文 : 想像力是美的泉源／一九○一年於費城女子設計學院之演說稿

通常，藝術學子們在不斷尋求模仿技法的過程中，就會忽略掉對於藝術真正精髓的研究。

一八八八年，也就是十三年前，我在巴黎朱利安學院（Academie Julian）唸書。我今年（一九○一年）再度造訪朱利安學院時，十三年前認識的一些學生還在那裡修讀，重複同樣的練習，他們的習作幾乎跟十三年前畫得差不多。

這十三年來，他們已經具備足夠技法能力畫出傑作。跟某些最厲害的藝術大師相比，他們當中許多人的人物寫生能力更強，出錯狀況更少，素描和比例也更加熟練精準。

這些學生已經是交易素描作品的高手，如同有些人練就講話華而不實的本領那般。所以，他們跟言詞善巧者一樣，表達不出什麼值得了解的意念，只是以畫筆賣弄技巧罷了。

藝術學子真正要學習的是，如何培養孩提時代那種與生俱來的敏銳感受的本性，以及懂得欣賞一切的想像力。遺憾的是，幾乎所有情況下，早在進入所謂現實生活前，孩童跟大人的接觸就已經讓這些本性和想像力萎縮枯竭。

我們所見的人事物，其實反映出我們的想像力，我們認為那些人事物是什麼，那他（它）們就是什麼。

我們對於實際的人事物沒有什麼興趣，我們對於人事物的評價，全都是依據他（它）們的出現與存在，激起我們心裡做何感受。

而且，我們研究自己有興趣的主題時，就是選擇並掌握讓我們起心動念的明顯特性。因此，兩個人注視同樣的物體，可能都會驚呼：「太美了！」兩人都說對了，但感受卻不同。個人依據本身感受的主觀偏好，特別注意物體的不同特性。

美，不是物質事物。
美，無法複製。
美，是觀看者心中的愉悅感。
沒有什麼事物是美，但所有事物都等待著，激發觀看者內心升起愉悅的感受。這就是美。

藝術學子們應該終其一生投身所好，努力培養個人感受，珍視自己的情感，絕不輕忽情感的重要，享受跟他人大聲說出本身感受的樂趣，並熱切尋求最清楚明瞭的表達。可惜的是，這種人少之又少。這種人絕不會因為日後當藝術家時，素描會派上用場而學習素描。他沒有時間那樣做，因為他從一開始就是藝術家，忙著發現線條和形狀來表現滿心的歡喜與情感。

最需要知識的時候，最容易發現知識。

長久以來，老師們總是礙事，他們老是說：「慢慢來，你要先學會怎麼畫，才能當藝術家！」

天啊，那麼多年漫長枯燥的學習素描！學生在做那麼多苦工後，如何拋開測量比例的習慣，注視著人或古老雕像而激發其他感受。

個人最早對於人事物的想像力，絕不能被遺忘。個人對於人事物的欣賞，不能被客觀計算和仔細分析玷汙過多。個人的想像力不能被擱置一旁，而且創作過程中必須持續產生想像力，並持續感受想像力帶來的興奮。動筆畫古老雕像時，如果沒有說明個人對於雕刻者想表達的美所產生的印象，那麼再怎麼畫也是做白功。站在雕像或模特兒前，卻沒有因此受到啟發而聯想到任何一個主題。腦子裡沒有主題卻坐在那裡畫上幾個小時，就是開始讓自己對於眼前所見毫無感覺，也喪失樂在其中的創作動力。你必須在素描中表現的，不是「你有什麼模特兒」，而是「你有什麼感受」，以及你從眼前模特兒身上挑選出，最能表現你個人感受的特徵。

在畫石膏像時，要完成作品或許容易些。石膏像總是維持同樣表情與姿態，學生只要避免自己偏離主題就行。真人模特兒的表情和姿勢絕不可能一樣，只是在某個當下維持某種心態，下一刻就出現變化。但是完成一張畫需要好幾個小時、甚至好幾個月，所以畫家不能被模特兒牽著鼻子走，而必須挑選模特兒在某個時刻的表情與姿態來畫，以那個當下的感受為依據。大多數學生的經驗是，對象物的表情與姿態在一週內不斷變化，學生自己對對象物的觀點也在一週內不斷改變，所以總費盡心思辛苦作畫。真正理解繪畫的學生還是依照一開始的想法去畫，只是利用模特兒作為客觀的人體模型。要是決定放棄原先的想法，採用另一個想法，那就銷毀表現先前想法的作品，重新畫一張。

偏離主題，興致無法持續，需要明確意圖──這種習慣幾乎是畫家常見的通病。人很容易胡思亂想，放任自己胡思亂想，這種習慣會讓情況更加惡化。專注力強的人相當罕見，我們必須刻意培養自己的專注力。在一個主題上花更多時間，並不表示專注力高，可能只是花更多時間偏離主題，因為漫無目的而徒勞無功。模特兒只是代表自己的客觀人體模型。模特兒的存在只是讓你想起，當初從她身上得到什麼靈感。如果你注意模特兒多變的情緒和姿態，那你只會受到誤導。你需要很多時間作畫，但模特兒在剎那間的一個眼神、一個動作就能給你靈感。但她可能再也不會出現那樣的眼神和動作，而且她的神情和姿態會持續變化。她在擺姿勢時，可能因為疲憊而痛苦。想想，誰能忍受那麼多個小時，固定不動而不覺無聊呢？就算模特兒的姿勢沒有變化，但她早就心不在焉，可能時而高興、時而悲傷、時而為瑣事煩心，因此形體和姿態上出現微妙變化傳達她的想法。漫不經心、沒有堅持最初構想的畫作，就會透過畫筆和顏料把這些細微變化全畫出來。

只表現一個構想的畫作少之又少。通常，我們看到的畫作，都是畫出模特兒在不同心情下各種姿態的大雜繪，也表現出畫家本身想法的游移不定。這種畫作雖然把主題呈現出來，但細部看起來卻是不同表情。畫家能找的唯一辯解就是，自己實在太會刻畫了。我們為什麼喜歡海？是因為海有某種強大的力量，讓我們想起自己喜歡去想的事物。

偉大藝術的「靜物」是活生生的事物。畫家依照物體帶來的聯想畫出物體，如果畫作無法將畫家的聯想傳達給觀看者，就沒有理由要畫。如果畫家做不到這一點，只是如實刻畫眼前所見，那麼畫家跟觀看者之間就無法交流，觀看者從畫裡看到的，跟自己在大自然中看到的景物並無二致。欣賞靜物畫大師夏丹(Jean-Baptiste-Siméon Chardin)的作品，就知道聯想力的作用。

學生站在模特兒面前要問的第一個問題應該是：「我從這個模特兒身上，能得到的最大樂趣是什麼？」接著再問：「為什麼？」所有大師都問過這些問題，他們或許不由自主地這樣問了。而且這樣做，讓他們充分發揮想像力，找出最大的樂趣，也讓他們剔除次要特質，好好欣賞主題最重要的元素。畫家利用本身對於更重要意涵的主觀成見，讓眼睛只注意那些能表現更重要意涵的線條與形狀。

這就是選擇，結果就是去蕪存菁。

偉大的藝術家不是重現自然，而是藉由去蕪存菁，表現自然帶給他的最重要感受。

（本文未完，更多精采內容，請詳閱全書）